咱们在长沙这座拥有深厚湖湘文化底蕴的城市里，这场关于陶瓷艺术的展览可真够热闹，给冬日添了不少暖暖的艺术气氛。展览名字叫“器惟求新——当代学院派陶艺的美学叙事”，是在云山院鉴止艺文空间举行的，最近才正式对大家开放。这个展览不单单是把艺术品摆出来给人看，更是学院派艺术家们搞出来的一场大讨论，让大家好好琢磨琢磨，陶瓷这门老手艺在咱们这个年代到底该怎么变着法儿地发展，怎么把“守正创新”这事儿给落实了。展览的名字取了一句老古话“人惟求旧，器惟求新”，意思就是说人要念旧，但做东西就得想着怎么变着花样儿新一点。咱们得在尊重老祖宗留下的那些手艺的基础上，给它注入点新的玩意儿，让它跟咱们现在的日子合拍。这展览把李正安、尹航、丁珊、杨亘、王乐耕这几位艺术家的作品都凑在了一块儿，大概有四十来件呢。这几个人都在清华大学美术学院待过，受了那里的学术熏陶不少。他们画画的路子挺清楚：先是把基本功打得扎扎实实的，然后慢慢就开始琢磨怎么用自己的想法去搞那些现代的表达方式。李正安教授算是这几位里头的领路人了，他的作品和想法给展览奠定了一个很扎实的理论基础。他做的那套《腾龙》系列作品，可不是简单地照着以前的龙纹抄一遍。他把中国文化里的龙这个意象和窑火烧出来那种说不准的样子结合在一起了。在泥巴和火焰的折腾下，他就找到了一种很有气势、很有力量的现代视觉感觉。这就说明了“求新”其实不是瞎折腾，而是得先把老底子守牢了再往上长。李老师的这种做法也影响到了剩下那几位年轻一点的艺术家，他们的创作看起来就更丰富了。尹航喜欢用瓷土去记录生活里的各种小事和人们心里的那点小想法。丁珊老是盯着东西和时间的关系看，她会把形状、手感或者釉色弄得特别讲究，让那些平时看起来冷冰冰的器物好像有了时间的痕迹一样，让人忍不住去想一下永恒到底是什么玩意儿。杨亘的灵感大多来自大自然。他会把植物生长或者生命跳动的样子抽象化，然后用瓷土捏出来。这样一来，那些器物就像是有了呼吸和脉搏似的。王乐耕更偏向于玩釉上彩绘的新技术。他画的那些《釉上彩瓷板画》就像是在探索怎么让现代画画的语言、技术控制还有烧窑时自然出现的纹理互相配合。他就在那可控和不可控之间找了一条新路出来。展厅里头的作品多得是好东西。比如那《顺》、《花非花》看着挺有诗意的；《五福团圆》把老祖宗以前讲的吉祥话用新的法子重新讲了一遍；《消失的物种》系列让人想起了环保问题；《树洞》系列又好像在给人说心里话或者藏着心事的地方……每一件作品都不光是个盛东西的实用器了。它们是艺术家们自己的想法、情绪和这个时代精神的寄托。这些作品用泥巴和火这门共同的语言说着不同的故事。它们凑在一块儿就构成了一幅关于中国当代陶瓷艺术发展的动态画面。大伙儿站在画前慢慢看或者摸一摸质感，就能感受到传统的材料在艺术家手里被玩出新花样来了。开幕那天举办的艺术对谈会上五位艺术家还聊了聊“传统材料的当代转化”这个事儿。他们普遍觉得陶瓷艺术的“新”可不能瞎搞形式或者光跟着西方学洋玩意儿。最根本的还是得挖一挖陶瓷里头“土”和“火”这两个老本儿的属性。有了这个基础才能结合现在的文化精神和个人的生命体验去说真话。这种“求新”是对材料语言的重新发现、对工艺界限的再拓展、更是对艺术本身的回归。这次展览是由湖南云山院文化发展有限公司搞的出品方还请了夏丹、张艳华、刘斯璇这三位一起来做策划。策划团队把这五位艺术家因为都是从清华美院出来的所以有学术上的共同性和创作上的不同点给梳理清楚了。他们成功地把像做个人展览那么深的内容和像做群展那么广的范围结合在了一起。系统地给咱们展现了学院派陶艺家是怎么在美学叙事上动脑子和动手做的。“器惟求新”展览就像个窗口一样打开了。透过这个窗口咱们就能看到中国当代学院派陶瓷艺术创作有多红火、路子有多清。这说明陶瓷艺术的发展现在走得挺稳当的，它是站在深厚传统的地基上、靠着学术研究撑腰、靠着个人创造性的转化往前走的路子上的探索。艺术家们用火当笔、用土当墨，不光是在给东西换个样子、加点意义，更是在续写中华优秀传统文化怎么变着法儿地活下来、发展下去的新篇章呢。这次在长沙举办的艺术对话意义大了去了，它超出了画展墙壁的限制给咱们提供了一个特别棒的例子和思考方向：告诉大家怎么才能让传统手艺重新活起来，让它在新时代接着给咱们讲那些动听的中国故事。